La Joven de la Perla: Review de la BSO

Antes de descubrir esta BSO, había descubierto a Desplat en "Syriana", una BSO que me gustó bastante además de su estilo y quería conocer nuevas BSO de este compositor francés y me encontré, bueno, más bien bajo recomendación , esta fantástica BSO. No quería comentar nada sobre ella no sin antes haber visto la película para comprobar si su funcionamiento era igual de eficiente que oida por separado. La película está muy bien, pero es que esta BSO de Desplat la supera. No me extraña su nominación a los Globos De Oro y me sorprende que no estuviera nominada a los Oscar.

De óxido y hueso: Fireworks

Una película del tipo de 'De óxido y hueso' es de las más difíciles de calificar. Es una película que es tan perfectamente consciente (consciente de sus intenciones, consciente de sus manipulaciones, consciente de su impacto) que describir su impecabilidad puede resultar agotador pero también satisfactorio. Es un retrato del dolor, de que todos podemos llevar dolor sea físico o emocional. Jacques Audiard, director de la estupenda 'Un profeta', crea su propio camino hacia un nivel de comprensión que, probablemente, pueda ser más apreciado y tenido en cuenta por aquellos que han llegado hasta el mismo límite de perder todo lo que apreciaban. Para aquellos de nosotros que tenemos la suerte de no conocer ese tipo de dolor y para aquellos de nosotros que no tienen miedo de sentir ese dolor, Audiard hace que sea posible para que podamos tener una idea de cuan impactante que el dolor puede ser.

Amour: En la salud y en la enfermedad.

Es curioso echando un vistazo a la infinidad de títulos en la historia del cine que van de amor, ninguna película se presenta solo llamándose 'Amor'. Hay películas que van con añadiduras a esa corta palabra que significa tanto: A Roma con amor, El mismo amor la misma lluvia, Amor a quemarropa, El amor llamó dos veces, etc. como queriendo contar algo más. Y es que viendo esta película de Haneke no hay mejor manera que describirla: Amor. El director austríaco consigue mostrarnos un profundo y sentido relato desgarrador donde reivindica la inevitable mortalidad dentro de un contexto cotidiano. Aunque 'Amour' carece de esa maldad o arma de doble filo del cine de Haneke, sigue siendo una película con capacidad de sorprender. Y es extraño decir de Haneke que ha realizado una película hermosa y que también pasa por ser una película deprimente.

El Hundimiento: La caída de un símbolo

Mañana, millones de personas maldecirán mi nombre y me odiaran por esto.... Adolf Hitler.

"El Hundimiento" ya puede considerarse uno de los mejores dramas bélicos de la historia, igualando e incluso superando el nivel de ciertas películas como "Salvar al soldado Ryan", "Sin novedad en el frente" o "Das Boot:El Submarino". Aunque anteriormente se filmaron dos películas que relataban el mismo hecho, "Hitler:Los Ultimos Diez Días" de 1973 o la protagonizada por Anthony Hopkins en 1981, "El Búnker", ha tenido que pasar más de medio siglo, coincidiendo más o menos con el 60 Aniversario del final de la Segunda Guerra Mundial, para que por primera vez una producción alemana destaque a Hitler como figura central.

Revolutionary Road: Golpe al sueño americano

"Revolutionary Road" parte de la adaptación de una novela de Richard Yates. De ella, dijo Tennessee Williams que "si se necesita algo más para realizar una obra maestra, no se de que se trata". Es una novela que muestra el Sueño Americano despertado por una pesadilla, que adaptada cinematográficamente funciona como un melodrama deprimente. Vemos a una pareja normal, joven, de aquellos esplendorosos años 50. Se casan y crean una vida suburbana en una casa agradable con un césped inmaculado, con dos niños, un trabajo en la ciudad para él, quehaceres domésticos para ella y además martinis, cigarros, aburrimiento y desesperación para ambos. Esa pareja, Frank y April, viven cegados por el amor creyendo que su unión les permitirá realizar sus fantasías. Pero su mayor problema es que no tienen fantasías ni sueños. Son más soñadores decepcionados que se preguntan como sus vidas llegaron a ser tan diferentes respecto a sus anhelos iniciales. Y se crean la cuestión de si tendrán la fortaleza suficiente para hacer un cambio, ya que sienten un vacío enorme en el centro de su matrimonio. Frank y April no vislumbran un futuro atractivo para ellos.

Frank es un hombre sencillo, que odia su trabajo, no soporta la rutina diario de un empleo que jamás colmará sus aspiraciones. April es una mujer que aspira a ser actriz y fracasa en el intento. Ella adopta una actitud de total bovarismo (referido a la novela Madame Bovary), llegando a un estado de absoluta insatisfacción conyugal que choca contra sus anhelos, aspiraciones e ilusiones. La realidad de su vida es una frustración contínua, su vida está repleta de una infelicidad constante. Entre ambos se observa una creciente línea divisoria de dos personas que han perdido interés por la comunicación abierta y que se ven forzados a mantener un estilo de vida y de descomposición en nombre del matrimonio. En lo único que llegan en un momento de acuerdo es en el cambio, en salir de ese "irremediable vacío" para darle más sentido a su monótona existencia y de darse oportunidades a si mismos de que pueden ser esas personas que querían ser y compartir ambos ese camino. La pérdida de esos valores que ellos consideran fundamentales provoca en ellos sentimientos de ira y rabia, con constantes discusiones que no tienen nada que envidiar a las peleas repugnantes de Richard Burton y Elizabeth Taylor en "¿Quién teme a Virginia Woolf?"

Diez años después de "Titanic", no se podía imaginar una manera mejor de reunir a Kate Winslet y Leonardo DiCaprio que en este profundo melodrama, que parece ser el polo opuesto de la tragedia de Jack/Rose en "Titanic". DiCaprio y Winslet comparten una química muy especial, importante para papeles de estas características con personajes tan intensos donde la credibilidad y el realismo juegan un papel fundamental. Mención aparte para Michael Shannon, que con sus palabras crueles y observaciones despiadadas dice la verdad de lo que piensa, acertando en la mayoría de las ocasiones y siendo como la conciencia de ambos que les aturde. La dirección de Mendes es excelente. Comparte varias similitudes con "American Beauty" ya que ambas exploran los baches de las vidas conyugales de una matrimonio de clase media, aunque "American Beauty" es más una ingeniosa y singular sátira. "Revolutionary Road" es un drama serio y deprimente.

En comparación con sus anteriores obras, Mendes visualmente es menos vibrante y estimulante. Es algo realizado intencionadamente, ya que descarga toda la fuerza emocional en sus dos protagonistas. También hay que añadir la soberbia partitura de Thomas Newman, que le da un toque más íntimo y desarraigado a lo que vemos en pantalla. "Revolutionary Road" es de esas películas que te hacen pensar, una película con muchas similitudes con los tiempos que vivimos.

Cartas desde Iwo Jima: El infierno de los perdedores

"Cartas desde Iwo Jima" representa algo atípico en las películas bélicas y es el hecho de que un director de otro país nos muestre una película desde el punto de vista del enemigo. Eastwood ha sido ambicioso con este proyecto sobre una de las más sangrientas batalla del Pacífico. Aunque guarda el estilo similar de "Banderas de nuestros padres", la diferencia principal es que con "Cartas desde Iwo Jima", el genial director se introduce más en la intimidad de los soldados y desarrolla de manera más amplia los carácteres de los soldados japoneses, que por otra parte son más ricos de explotar dramáticamente. En ocasiones, a la hora de narrar una película bélica, resulta más interesante relatar la parte de los perdedores. Seguramente sea porque su dramatismo es más personalizado, de verse abocados a un callejón sin salida. En ciertos aspectos, podría recordar a "El Hundimiento", de como unos soldados y oficiales ven todo perdido, sin más salida de provocarse su propia muerte, muchos por una cuestión de orgullo, otros por honor, algunos obligados. El infierno que sufren los perdedores es casi inenarrable.

Eastwood filma una de sus películas más elegantes, pero con un marcado componente dramático, en momentos angustioso y que roza la locura. Nos muestra la historia de unos hombres que resistieron y murieron en una isla en un intento de defender su patria. Asistimos a sus conflictos personales, a la extraña y fanática manera japonesa de entender la guerra, con escenas que incluso resultan incomprensibles por el espectador por su dureza, sintiéndonos a veces incrédulos por lo que es capaz de hacerse a si mismo a un hombre llevado por su loco patriotismo. Eastwood también consigue transmitirnos la presión psicológica que sufrían los soldados japoneses, por culpa del confinamiento prolongado en las cuevas, la privación de agua y comida, además de los persistentes bombardeos. El guión de Yamashita mantiene un foco íntimo dentro de un magnífico contexto, narrando en argumento a través de los sentimientos expresados por los soldados en sus cartas. Esta es una de las grandes virtudes de "Cartas desde Iwo Jima": la fluideza narrativa de su guión, con unas líneas de diálogo que expresan casi a la perfección el sentir de un soldado y su mayor anhelo: regresa a su casa con sus seres queridos.

Otra gran cualidad es el estilo fílmico que escoge Eastwood. La película esta muy cercana en momentos al blanco y negro, con una degradación del color que se acerca al color sepia y al marrón, siendo monocromática en muchas ocasiones. Es un intento por darnos una visión de manera pseudo-documental, muy acertada por otra parte. Eastwood imprime su propio sello en "Cartas desde Iwo Jima". Apoyándose en ese estupendo guión, descarga todo el peso dramático en las magníficas actuaciones de los actores. Ken Watanabe ya demostró sus excelentes cualidades en "El último samurai", confirmando en "Cartas desde Iwo Jima" lo gran actor que es. Su interpretación de Kuribayashi es sublime. Le consigue imprimir al general una personalidad muy marcada de honor, de respeto hacia sus soldados y amor a su patria. Tremendas son esas escenas en las cuales arenga a sus soldados a luchar hasta el fin. Pero finalmente no nos deja la sensación de que fuera un loco suicida. Hizo lo que tenía que hacer. Como comentaba anteriormente, me parece un gran acierto basar el hilo principal en cartas que escribe los soldados. En Kuribayashi, vemos que es un hombre como cualquier otro, con sus sentimientos hacia su familia. Acertados son también los flashbacks que nos recuerdan la estancia del general en Estados Unidos o recordando a su hijo, no interfiriendo para nada en la fluidez narrativa. Aunque en mi opinión, la verdadera historia que nos describe el horror, ya no solo de Iwo Jima, sino de la guerra en si, es la que nos narra Saigo. Es un simple soldado, que como todos sueña con volver a su casa con su familia, pero que ve horrorizado como van muriendo sus compañeros, unos de disentería, otros es unos espantosos suicidios, otros quemados.......es quien nos da la perspectiva más amplia de todo lo que pasa. Es el personaje con el cual conseguimos más empatía. El resto del reparto está francamente bien. El Barón Nishi tiene una personalidad arrolladora, ofreciendo uno de los mejores momentos de la película cuando lee la carta del soldado americano muerto. Esa escena es de una humanidad tremenda.Personalmente, me ha dejado la sensación de ver un auténtico drama bélico. Un relato estremecedor.

PD: La Banda Sonora es buenísima. Intima y muy poética. PD 2: HAY QUE VERLA EN VERSION ORIGINAL